講到時間，舞蹈完全體現了時間與空間的變化：在一個時間段內，我們使用身體去畫出空間的線條。
對於跳舞的人來說，我們存在於當下（here and now），這是個超有哲思的議題。或許可以這麼說，在舞蹈中，過去與未來都在當下交會，沒有你過去練得如何、未來又會練得如何的想法，每一個當下都是獨特的、無法被複製的。你是呼吸、你是節奏、你是旋律、你是表達。
口譜怎麼運作
印度古典舞被包含在一套口譜系統中。舞蹈使用口譜學習，容易把動作定位在口譜上，而口譜又被設定在一套節奏型態中。
只要口譜結束時沒有回到第一拍，肯定是哪裡搶拍或慢拍。這時候可以先回溯口譜，把節奏的位置確認好，再來回溯腳步或動作，檢視哪裡出問題——非常精準的確認方式，環環相扣。
即便真的有什麼問題，那應該會落掉一個段落，而不是一拍或兩拍的問題。也就是說，舞照跳，只要舞者都在節奏型態中，外人其實看不太出來發生了什麼事。
同樣十拍，不同的組成
舞蹈動作小品，一定會使用某一種節奏型態；而較長的舞碼，節奏型態會有切換，不會從頭到尾使用一種，因為這樣會太過於單調。
同一個口譜，可以用不同的節奏型態來處理。舉例來說：十單位拍可以是 2:3:2:3，也可以是 4:2:4；八單位拍可以是 4:2:2。也就是說，同樣十單位拍，組成方式不同，便是不同的節奏型態，但相加起來，一定是總拍數。
我們不會說口譜結束在第十一拍或是第九拍，而是回到「第一拍」。時間生生不息地循環，從起點（第一拍）開始，終點便是回到了起點——超級的哲學。
老實說，我可以體會到由於節奏分組的不同，念口譜時在感受上會影響重拍或是念誦的速度；但實際執行舞蹈動作，除非動作根據口譜再做編修，否則動作的執行上不太會產生差異。
教學系統也會改變
聽印度老師說，教學系統有改變過：過去使用南印度的節奏系統，現在則是用東印度的節奏系統，基本上傾向讓學生容易記憶的節奏型態。（印度很大，南印、北印、東印的節奏系統不同，同一個名稱，總拍數有可能會不同。）
我剛好待在以古典音樂起家的藝術學院，老師願意跟我講這些，我才知道原來 Odissi 教學也有經歷轉變的過程。
改變是很正常的事情，世上唯一不變的事就是「改變」。在變的過程中，我們能夠掌握到哪些現象，從現象中理出一些看法，選擇繼續下去的道路，我想這就是時間帶來的意義。透過時間，我們可以看到很多的改變，包含自己的改變——對我而言，這也是學習的意義。